Un viaje sonoro entre la naturaleza y la introspección
Conner Youngblood no es un cantautor convencional. Su música, una mezcla exquisita de folk, electrónica y elementos acústicos, tiene una fuerte carga emocional y plasma sobre un lienzo hermosos pasajes en los que la naturaleza se mezcla con las emociones humanas.
Crea un mundo sonoro propio que requiere de todos nuestros sentidos para explorarlo. Cada trabajo que ha publicado denota su gusto por la experimentación, tanto sonora como lírica. Sonidos ricos en matices que difuminan las líneas que separan los diversos instrumentos. Letras ambiguas sobre las que caben múltiples interpretaciones.
Su arranque con los EPs Monsters y Sketches seguían una línea en la que sobresalía el minimalismo, que evolucionó al mezclar folk y electrónica en otro EP, The Generation Lift (2016).
Publicó en 2018 su primer larga duración, Cheyenne, inspirado por paisajes tan diversos como Islandia y el suroeste de los EEUU.
A principios de septiembre, publicó su segundo LP, titulado con un trabalenguas: Cascades, Cascading, Cascadingly, compuesto y grabado íntegramente por él mismo en su piso de Nashville, con letras en japonés, español, ruso y danés porque encuentra en cada reto una nueva ruta artística y una forma de expresión.
Ahora mismo se encuentra inmerso en una gira que en estos días pasa por Irlanda, Reino Unido y los países escandinavos, pero, entre concierto y concierto, ha tenido la gentileza de responder a nuestras preguntas en un excelente castellano.
Una carrera y una evolución artística basada en los desafíos
P: Has recorrido un camino musical que mezcla géneros como el folk, la electrónica y el indie. ¿Cómo describirías la evolución de tu sonido desde Cheyenne hasta Cascades, Cascading, Cascadingly? ¿Ha habido algún momento o experiencia en particular que sientas que marcó un cambio significativo en tu música?
R: Tras sacar Cheyenne tenía la oportunidad de recargar las pilas un poco y encontrar otros fondos e inspiraciones. La época de COVID me impactó y me obligó a reexaminar cómo escribir y grabar una canción. Estaba aislado por primera vez, sin acceso a los estudios e ingenieros profesionales y decidí que iba a arrancar comprando todo el equipo de grabación para hacerlo por mí mismo. Antes de Cascades, Cascading, Cascadingly tenía ganas de escribir canciones de forma íntegra y luego grabarlas, pero después, por primera vez, el proceso de grabar se convirtió en el proceso de escribir… Ambos procesos se convirtieron en una misma cosa. Uno al mismo tiempo que el otro. Uno está totalmente ligado al otro. Son uno solo.
“Disfruto cuando los sonidos se combinan a la perfección hasta el punto en que ni siquiera puedes distinguir un instrumento del siguiente”
P: En tu último disco, juegas con múltiples idiomas, desde el japonés hasta el español. ¿Cómo decides en qué idioma cantar una canción y qué significado tienen estos idiomas para ti en términos de narrativa musical? ¿Te ves continuando esta experimentación lingüística en futuros proyectos?
R: Quería escribir una canción en danés solo para desafiarme a mí mismo y, al revés, me di cuenta de que terminaba siendo casi más fácil para mí pensar menos en un idioma extranjero que esforzarme por encontrar las palabras perfectas en inglés. Después de esa canción, cuando estaba varado y me daba fiaca escribir en inglés durante un tiempo, decidí intentar escribir en español y japonés sólo para compartir algo divertido con mis profesores. Una de las cosas que más fácil hace o que proporciona más sensación de facilidad es cuando no hay expectativas ni presunciones. Seguro al 100% que voy a seguir escribiendo en diferentes idiomas.
La naturaleza como inspiración en su proceso creativo
P: Eres conocido por tocar varios instrumentos en tus grabaciones. ¿Cómo decides qué instrumento utilizar en una canción en particular? ¿Cómo fue el proceso de creación de Cascades, Cascading, Cascadingly en cuanto a la producción e interpretación de cada instrumento? ¿Hay algún instrumento nuevo o técnica que te gustaría incorporar a tus futuras producciones?
R: Muchas veces es simplemente lo que tengo más cerca de mí, en mi piso, mientras grabo. De vez en cuando pienso en los instrumentos que no he utilizado en mucho tiempo y me siento culpable. Durante la grabación del nuevo álbum compré muchos equipos de grabación soviéticos antiguos. Compré un motón de cosas como guitarras, micrófonos, sintetizadores, etc. de la [antigua] URSS. Gaitas para la próxima. Esa es la meta.
P: Tu sonido combina lo acústico y lo electrónico de una manera muy fluida. ¿Cuál es tu enfoque al integrar estos dos mundos en una misma canción? ¿Sueles comenzar con una idea acústica o electrónica, o depende del momento?
R: Definitivamente, depende del momento, a veces es con una muestra o una nota de voz también. Disfruto cuando los sonidos se combinan a la perfección hasta el punto en que ni siquiera puedes distinguir un instrumento del siguiente.
Siempre disfruté el arte de la sutileza. Quiero que las canciones tengan su propio mundo único. A veces, las nociones preconcebidas sobre determinados instrumentos o géneros pueden crear limitaciones.
P: La naturaleza es una constante en tu música, tanto en las letras como en los sonidos ambientales. ¿Qué papel juega la naturaleza en tu proceso de composición? ¿Hay algún paisaje en particular que siempre te inspire cuando compones? ¿Influyen los paisajes y lugares que has visitado en la atmósfera de tus composiciones?
R: Árboles, pájaros, los parques nacionales de Estados Unidos y muchas rutas de senderismo increíbles. Intento reflejar mi propia historia en estos entornos y paisajes diversos. El Parque Nacional Badlands siempre ha sido uno de mis favoritos.
Letras entre el surrealismo y la ambigüedad
P: Tus letras son introspectivas y a menudo están abiertas a la interpretación. ¿Hasta qué punto es importante para ti mantener ese sentido de ambigüedad en tus canciones? ¿Hay temas personales o emociones específicas que siempre busques explorar en tus letras?
R: Pude crear esta sensación de ambigüedad alternando las prospectivas de mi vida actual y lo que estaba sucediendo en la televisión de fondo. Hay muchas películas en las que me inspiré. En general, crea una sensación de surrealismo y ambigüedad, pero la verdad sigue estando ahí.
P: En Cascades, Cascading, Cascadingly exploras temas como el deseo, la soledad y la pérdida. ¿Qué experiencias personales te llevaron a tratar estos temas en el álbum? ¿Crees que estos sentimientos reflejan un estado de ánimo continuo en tu vida o en la vida contemporánea?
R: Las cosas más difíciles de contar son las que intento expresar en mis letras. Por ejemplo, un amigo falleció hace 4 años y hay un par de canciones sobre ese tema y otras que escribí en esa época. La soledad es un tema de fondo, es el trasfondo de todas las letras. Pero para mí no es una connotación negativa. Es interesante que en español “loneliness” y “solitude” son la misma palabra “soledad”. Soledad puede ser espacio, introspección, intransigencia… es más complejo, intrincado, y matizado que la tristeza. Es algo que no se me pasa por la mente en mi día a día, pero supongo que sigo tropezando con las mismas piedras.
P: En canciones como «Reveille!» y «Running through the Tøyen arboretum in the spring», combinas poesía y narrativa mágica. ¿Qué te inspira a incorporar elementos de realismo mágico en tus letras? ¿Cómo decides qué emociones o historias deben ser contadas desde un enfoque más poético o surrealista?
R: ¿He estado leyendo mucho realismo mágico actualmente y quizás me influyó mucho? No sé. Todas las imágenes que utilicé también tenían esta sensación de surrealismo. Le pedí a la fotógrafa con la que trabajé que creara específicamente una sensación de surrealismo. También estaba viendo un montón de pelis y quería armar mi propia película entre las imagines y letras.
P: Has utilizado un poema de A.E. Housman en «Reveille!» y sonidos tradicionales escandinavos. ¿Qué te llevó a mezclar poesía clásica con estos sonidos y qué efecto querías conseguir?
R: Se me pegó este poema. Específicamente quería adoptar o aprovechar las letras o la sentimentalidad y afortunadamente me acabaron ideas, así que decidí cantar el poema con una melodía y se funcionó a la primera. Quizás hice dos intentos con las voces y me encantó. Creí que el sonido de los indígenas “Sami” era una cosita que no venía a cuento de absolutamente nada. Así que esto fue fruto de la casualidad. Escuché esto en YouTube hace muchos años y siempre quise incorporarlo a una canción.
Me encantaría grabar y juntarme con otros artistas en los próximos proyectos. Hace falta salir de mi zona de confort y abrazar la incomodidad.
Proyectos futuros y experimentación
P: Después del lanzamiento de Cascades, Cascading, Cascadingly, ¿qué dirección te gustaría explorar en tus próximos proyectos? ¿Te interesa seguir experimentando con lenguajes y géneros, o crees que darás un giro más radical en tu próximo trabajo?
R: Voy a seguir experimentando con todo, pero quizás con el enfoque “menos es más” la próxima vez. Quiero centrarme un poco más en la composición de las canciones.
P: Tus canciones a menudo tienen una sensación cinematográfica, como si cada una contara una historia visual. ¿Te has planteado explorar otros formatos creativos, como la música para cine o series? ¿Hay algún director o estilo visual que te inspire particularmente?
R: Habitualmente me la paso grabando y viendo pelis al mismo tiempo y, cuando compongo, busco inspiración en las imágenes de la pantalla. Me gustaría trabajar en bandas sonoras y partituras. Esta es una meta personal. Y en términos de directores, para mí, Terrence Malick es la referencia.
P: Hasta ahora has trabajado principalmente solo, grabando la mayoría de los instrumentos por ti mismo. ¿Te gustaría trabajar más en colaboración con otros artistas en el futuro? ¿Qué cualidades buscas en una colaboración para que se sienta genuina?
R: Me encantaría grabar y juntarme con otros artistas en los próximos proyectos. Hace falta salir de mi zona de confort y abrazar la incomodidad. Me encantaría trabajar con artistas de géneros completamente diferentes y de lugares completamente distintos. Los polos opuestos se atraen, ¿no?
P: Tu música tiene una cualidad atemporal, pero también evoluciona constantemente. ¿Cómo ves tu música en los próximos cinco o diez años? ¿Hay algún territorio sonoro que aún no has explorado y que te interese abordar?
R: ¿Quizás algo de pop? Solo un toque. Quiero enfocarme en las estructuras y melodías un poco más. Tengo ganas de ver lo que se siente al bailar con mi música. A mí esto me re interesa.
P: Tus fans a menudo describen tu música como una experiencia introspectiva y profundamente emotiva. ¿Qué esperas que sientan o reflexionen cuando escuchan tus canciones? ¿Hay algún mensaje o sensación particular que siempre busques transmitir?
R: La perspectiva es la clave. ¿A qué debes tu punto de vista? Espero darles a los oyentes material para respirar y reflexionar.
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Y.H.
Redacción